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Análisis Narratológico de “Apoohcalypse Now”

Análisis Narratológico de “Apoohcalypse Now”

 En esta ocasión será analizada la pieza “Apoohcalypse Now”, hecha por el artista llamado Artemio, quien previamente ha hecho piezas relativamente con el mismo tinte de este movimiento llamado Art Brut, que lo utiliza cuando los personajes populares son transformados a personajes irónicos que llamarán la atención. Esto es mezclado con un humor negro y una clara intención de provocar, se logra un resultado interesante.

La narratología de esta pieza parte de la película “Apocalypse Now”, y su relación con el libro llamado “El corazón de las Tinieblas” de Joseph Conrad, y donde se utiliza el pasado como el comienzo y al paso de la película los sucesos ocurren y de una forma arrepentida y recuerda todo lo vivido y lo aprendido de esa experiencia. llegando a la reflexión. Artemio utilizó su Art Brut con ironía y humor transformando la voz de Winnie The Pooh (el personaje más vulnerable, sencillo y pacifista), en una interpretación del discurso hecho por Marlon Brando (Coronel Kurtz) acerca de la guerra de Vietnam plasmada en la película “Apocalypse Now”.

La pieza tiene una narrativa irónica, ya que los movimientos y expresiones de Pooh son relativamente opuestos a la voz de Marlon Brando y por su forma de interpretar está los ambientes habituales de Pooh y que tiene repentinos “flashbacks” hacia la película en escenas de guerra donde sus pensamientos van desde explicar cómo paso hasta retractarse de dichos sucesos. 

El objetivo del análisis es conocer la relación de la producción y la imagen que le da esta nueva versión.

Las primeras imágenes son de la escena de Vietnam en donde el helicóptero va descendiendo, y ese mismo paisaje empieza a transformarse en fuego sobre palmeras y dando una relación de tiempo sobre cómo estaba el campamento al inicio y de cómo terminó. Entonces hace un efecto de cambio y se muestra el reloj despertador que refleja un estado de sueño, que las primeras escenas eran flashbacks dentro de un sueño pues al despertar, de fondo, siguen escuchándose helicópteros y detonaciones. Pooh despierta y hace referencia al inicio de Apocalypse Now donde El protagonista esta recostado en la cama recordando los sucesos.

Comienza con el monólogo sobre el horror: “Es imposible para las palabras describir lo que es necesario para aquellos que no saben lo que el horror significa. El horror. El horror tiene una cara... y uno debe hacerse amigo del horror. El horror y el terror moral son tus amigos. Si no lo son, son enemigos a los que hay que temer. Son enemigos de verdad.” Mientras lo dice, Pooh continúa haciendo lo que un día normal regularmente haría. En la siguiente escena existe una relación entre libro y narración en donde explica  el proceso de ejecutamiento que estaban por hacer y surge un flashback pero esta vez pasa de Pooh hasta un libro pasando hojas y hace otro flashback y llega a la película en donde se puede observar gente corriendo y el protagonista dirigiendo un helicóptero con “las valquirias” de fondo y lanzando bombas hacia una escuela, después pasa por el libro de nuevo y regresa con Pooh, ahora comiendo miel en reversa, en ese momento comienza una transición de sentimientos al contar sobre cómo veía a cada brazo y cada cuerpo cortado en pedazos, Marlon se introduce en un estado de arrepentimiento y comienza a pensar sobre cómo la violencia sin causa logra lastimar a las personas, que se había convertido en alguien que mata sin pensar, matar por orgullo. Al mismo tiempo Pooh esta triste por no tener más miel y emprende su camino a casa.

Reconoce en un momento que los que hacen esas acciones en las formas más crueles no la piensan, no la entienden, que no los considera ni monstruos salvajes, ni genios en sus habilidades o en la capacidad de realizarlo: los considera “hombres morales”, que se preocupan por su familia y que eso les da fuerza para vencer a los enemigos. Es la escena donde Pooh termina su día y decide ponerse pijama y  realizar sus rituales nocturnos, se puede notar que ya después de que el Coronel Kurtz haya comprendido los horrores de la crueldad, concluye en un acto de reflexión, donde Pooh está “imaginando” una historia para poder dormir y una tormenta lo hace asustar, se aprecia en el corto que se lo está diciendo a una mosca, pero en realidad el Capitán Kurtz también aparece una mosca pero no le da importancia, está sólo pidiendo que si llega a morir o llegan a matarlo, él desearía que su hijo supiera todo, aunque lo malentendiera, no dejar nada en secreto. La escena final Pooh al fin duerme y el “Pooh dormido” comienza a soñar y termina con una explosión y viendo como el pueblo arde en llamas tras haber escuchado este monólogo y dejando en claro lo que había provocado este estado mental tan devastador.

El espectador, en esta producción, es obligado a investigar y para intentar descubrir las relaciones que se quedaron en duda, puesto que lo primero sería descifrar el porqué de que se haya hecho con una caricatura animada o específicamente Winnie The Pooh, durante el análisis, el espectador se interroga sobre varios aspectos, pero si se ve detenidamente las dos producciones y el libro, se logrará una mejor comprensión sobre el tema.

Apoohcalypse Now. Dir. Artemio. 2002.

Umberto Eco: Ideas Relacionadas con el Guernica.

Planteamientos semióticos

Opinión Cap. 1 del libro “Tratado de semiótica de Umberto Eco”

Opinión Cap. 1 del libro “Tratado de semiótica de Umberto Eco”

Toda expresión artística tiene un porqué, un lugar de origen, y un tema del qué hablar, en este primer capítulo Humberto Eco nos invita a participar en su teoría y a comprenderla con cualquier pintura, película, etc.

Este libro nos indica que existen varias formas de conocer el significado de las expresiones artísticas, si tomamos por ejemplo el Guérnica de Picasso, nos damos cuenta de que es una pintura que dice muchas cosas y sólo con echarle un vistazo. Lo primero que se hace es concentrarse y pensar en aquellos elementos que lo conforman, sus expresiones y la posición en donde están, después piensas en la situación por la que están pasando, en este caso nosotros le estamos dando una interpretación sin haber investigado nada, y después de leer e investigar, te das cuenta de lo que trata de decir Picasso pero lo descifras de otra forma, primero sabes la época en donde están y el suceso, luego conoces los elementos y porque están ahí y porque los elementos son esos y no otros, luego el toque del tipo de pintura que es y el movimiento de esa época, y al final te das cuenta de lo que quería decir, es decir, el mensaje. 

Osea que del punto de vista de los que no conocemos, primero lo Interpretamos como nosotros lo conocemos cuando significa otra cosa desde el punto de vista del artista, y si queremos entender, debemos conocer las cosas como lo ve el creador y saber sus sentimientos y su abstracción a partir de información e internet, saber su pasado o su familia o lo que piensa de la vida, si está deprimido o si lo hizo por cualquier razón, eso amplia nuestros conocimientos, pero en este capítulo habla sobre 

Escher, que menciona que todo depende de todo, que no somos expertos ni somos personas sin sabiduría. Él menciona que para conocer la historia, hay que conocer a los personajes primero, pero para conocer los personajes, debes conocer el pasado y el mensaje que quiere transmitir, y si quieres conocer el mensaje tienes que sentir como el artista sentía, pera sentirlo debes de buscar si historia en internet, y para la historia debes conocer sus obras, y conociendo obras, conoces los personajes, y así, es un proceso que se repite y se repite, no tiene inicio ni fin, uno mismo debe hacerlo como sienta que pueda descifrar el mensaje y conocer su intención. El libro muestra ejemplos, pero mi ejemplo puede ser el cuadro “Relativity” donde muestra personas subiendo y bajando escaleras y es ahí donde te preguntas que es lo que debes buscar primero, si la historia o los personajes o el mensajes o la abstracción, pero sin buscar información, esa fue mi opinión sobre el primer capítulo.

(Eco, 2000)

Análisis Audiovisual: F. Saussure

Análisis Audiovisual: F. Saussure

El análisis está basado en teorías o fundamentos. 

Se divide la producción en:

Acciones: todo lo que realizan los personajes y es controlado por ellos.

Acontecimientos: hechos causados por las acciones.

Y principalmente se debe conocer el pasado, el entorno, el deseo y el propósito del protagonista y el antagonista.

Tratado de Semiótica por: Humberto Eco (Ensayo)

Tratado de Semiótica por: Humberto Eco (Ensayo)

El libro Tratado de Semiótica estudia una teoría que trata sobre la relación de un signo o más. Y el libro trata sobre utilizar la teoría de producción de signos y el uso de ella en la teoría de los códigos.

En este tratado se manejan distintos modelos en base a lo que Eco maneja:

El concepto de signo es tratado y ayuda a diferenciar los signos de los que no son signos, una semiótica de la significación es la desarrollada por la teoría de los códigos, mientras que una semiótica de la comunicación incumbe a la teoría de la producción de signos.

La estructura elemental de la comunicación es: fuente→transmisor→señal→canal→señal→receptor→mensaje→destinatario.

Código es una serie de signos, una serie de señales es considerada como una serie de nociones que pueden ser una serie de contenidos de una comunicación, lo cual es llamado sistema semántico. Lo que termina siendo una serie de repuestas.

A la regla que asocia el sistema sintáctico, semántico y las respuestas es código.

Son los sistemas donde los valores particulares se establecen mediante posiciones y diferencias y que se revelan solo cuando se comparan entre sí fenómenos diferentes mediante la referencia al mismo sistema de relaciones.

Así, concluyo con que el análisis semiótico recibe una gran participación en críticas, pero también al espectador quien de alguna u otra forma lo está realizando.

Eco, Humberto. Tratado de Semiotica. Italia: Lumen, 2000.

Cuadro comparativo de las diferentes propuestas semioticas.

Cuadro sinóptico sobre los Planteamientos de la semiotica.

Análisis semiótico de la película “Libro de Cabecera”

Análisis semiótico de la película “Libro de Cabecera” 

Interpretación: La protagonista es Nagiko, una niña que su familia le gusta la literatura y la pintura. La familia es pobre y su papá va paga sus deudas a un editor con favores homosexuales. Intenta publicar un texto, pero lo rechaza  el mismo editor que humilló a su padre. 

Cuando se entera Nagiko del compañero del editor, Jerome, ella decide seducirlo, pero en su intento resulta que se enamora de él. Jerome le dice a ella que escriba el libro que quiere escribir en su cuerpo, ella lo hace. Al editor le dieron celos y tuvieron un encuentro sexual que Nagiko tuvo que ver y pues furiosa se pone a escribir sobre otra persona, al saber Jerome, se enoja y se suicida. 

El editor va por el cuerpo de Jerome para tener ese texto, pero él, remueve la piel de Jerome y pasa el texto a encuadernar. Nagiko embarazada, de Jerome, se entera de lo que le hizo el editor y lleva a cabo otro plan, que era mandarle al editor más hombres con texto en sus cuerpos que mencionan su enojo y la petición de enterrar la piel de Jerome.

Y los libros llegan de maneras extrañas, un hombre tirado en la calle, un hombre con el texto en su lengua, un hombre con el texto en la cabeza, y al último llega el libro de la muerte, que hace al editor concientizarse de su fin, pues era justo . Lo matan, luego aparece Nagiko poniendo el encuadernado de Jerome en un bonsái. La película termina con ella y su hijo, y dice que está preparada para escribir un diario.

Reglas:  La relación de los libros con la historia, persuadir para cumplir con los sueños.

Códigos:

Libro uno: La Agenda	Libro que escribe sobre cuerpo de Jerome para convencer al editor de publicar libro
libro dos: El Libro del Inocente libro tres: El Libro del Idiota	Libros que contienen
libro cuatro: El Libro de la Impotencia libro cinco: El Libro del Exhibicionista	Los libros que hizo a partir de que siente la necesidad de hacer algo a causa del encuentro sexual con el editor.
libro seis: El Libro del Amante libro siete: El Libro de la Juventud libro ocho: El Libro del Seductor	Son los libros que muestran la venganza de Nagiko escribiendo sobre otro cuerpo.
libro diez: El Libro del Silencio libro once: El Libro de la Traición libro doce: El Libro de los Nacimientos y de los Comienzos	Son libros que mostraban el trato que hizo Nagiko de enterrar la piel de Jerome que le quitaron y que con él encuadernaron el texto.
libro trece: El Libro de los Muertos	Libro que muestra el fin para el editor a partir de lo que hizo con Jerome

Signos: El cuerpo,  la seducción, la venganza, el libro de cabecera, la música, la civilización de esa época, la promesa de la mamá, la frase que se repetía “cuando Dios confirmo la existencia del hombre, lo puso en los ojos, la boca, el sexo, y cuando lo terminó, firmó su propio nombre”

La jetée y doce Monos: Confrontación

Análisis de la producción “Un Perro andaluz”

Análisis de la producción “Un Perro andaluz”

Película: Un Perro Andaluz “Un Chien Andalou”

Año: 1929

Director: Luis Buñuel

Un perro andaluz abre las puertas a un cine surrealista que en cierta forma se burla y juega con nuestro subconsciente, lo que impacta son las imágenes agresivas y lo que parecen ser sueños que transporta con su secuencia de tiempo no lineal.

El filme presenta a dos personajes que todo el tiempo están en constante cambio, por un momento el hombre está afilando su navaja y pasa a escena un ojo partido a la mitad por dicha navaja, en sí no tiene un significado, es la representación de sueños del director Luis Buñuel, quien trabajo con Salvador Dalí en el guión, a pesar de que ellos no tenían una buena relación.

El surrealismo logra que el filme interprete los sueños de Buñuel de una manera exagerada, explícita y perturbadora para el espectador, entre las escenas más surrealistas están:

. A un hombre le salen hormigas del interior de su mano.

.Los protagonistas se amenazan, la mujer con una raqueta triangular, y el hombre con una cuerda en el suelo que, atados a ella, están dos frailes, dos pianos y más.

. El hombre es castigado y la mujer de da unos libros que se convierten en pistolas que disparan a su mismo yo, él cae en una mujer en un parque y lo recogen dos personas.

El fin es que nada tiene sentido, así como los elementos que se convierten en signos para el espectador, con la duda de saber el significado, como lo vemos con la navaja, o la situación entra el hombre y la mujer, o la aparición de las hormigas, y las secuencias de tiempo aleatorias.

Relativity- M.C. Escher

Relativity- M.C. Escher

Hecho en 1953, este cuadro quiere dar a entender la soledad y la mente de Escher en cuanto a que él explica que su casa es libre para cualquier persona, que no tiene límites, ni siquiera tiene chapas y ni un solo mueble. En ete cuadro se imagina al mundo en su casa, pero el concepto más definido es el de la Relatividad en sí, que es relacionarse siempre a algo, no importa si es un algo o un alguien, pero los humanos existimos para relacionarnos.

Este cuadro significativo tiene varios elementos que toma en cuanta para explicar al expectador sutil mente:

Escaleras: Propósito o el destino.

Puertas: Son las partes de nuestro cerebro a las que podemos llegar y de las que podemos sacar nuestras ideas. En una forma el cuadro representa nuestra burbuja y que en algunos casos podemos salir y abrirnos a otro ambiente, y en toras cosas solo vemos y venimos al mismo lugar.

Personas: Son la representación de una vida representada en un humano vendado, significa que nosotros somos ciegos del destino, y que no podemos cambiarlo.

El cuadro en si representa una relación puede ser general o espacial, y se puede interpretar como que cada persona en el cuadro tiene su punto de partida y su normalidad en cuanto a gravedad y dirección.

Jackson Pollock

Jackson Pollock

Mural: Manera en que plasma la escuela, como si un niño lo hubiera pintado

Este gran pintor ha creado una de las más grandes obras conceptuales y que marcó un movimiento: El expresionismo abstracto.

Éste es acerca de mostrar expresiones fuertes y emociones. A partir de la guerra nació este movimiento junto con el pesimismo, donde los religiosos mencionaron que era un movimiento establecido por la espontaneidad y que cada color o pincelada significaba un sentimiento del pintor.

                                                                            La Flama

Se llama “Action Painting” a lo que Pollock hizo, mediante dejando caer las gotas de la pintura libremente sobre el lienzo, que justifica con el movimiento del cuerpo, no de la mano o de la muñeca. La técnica que usaría sería poner el lienzo en el suelo, que le permitía encontrarse con la pintura.

                                                                          Full fathom Five

                           

Pollock mostró y tenía en mente poner en alto la pintura abstracta con acciones, energía y pasión.

                                                            Hombre, boletín, pájaro

‘’Mi pintura no se hace en el caballete. Cuando está en el suelo me siento más cerca, puedo pasearme a su alrededor, trabajar desde todos los costados, estar literalmente dentro de la pintura, esto es al modo de los indios del oeste. He eliminado además todos los utensilios del pintor, como paleta, caballete y pinceles. Prefiero varillas, la llana del albañil, cucharas comunes o simplemente hacer salpicar el color líquido’’, afirmó Pollock.

Simulator

Piet Mondrian

Piet Mondrian

Holandés, un ícono del neo plasticismo, y su manera de pintar, su propósito es combinar la escultura, arquitectura y pintura en una forma clara y pura.

Él era cubista, así que le gustaban mucho las figuras geométricas y poco a poco cambió a composiciones de líneas horizontales y verticales, el optó por usar solamente los colores primarios, sin ninguna gota de gris o algo que le haga sombra.

Al principio el pintor quiere dar a entender que cada vez que las líneas se cruzan, esta mostrando una estructura del universo, es difícil para la gente comprender, pero la variación simple de colores atrae la atención del espectador.

Explican que Mondrian quería explicarle al mundo que el arte no es el único medio en el que se pueden transmitir emociones y sentimientos.

Con los cuadros quiso decir que, en una forma indirecta que las partes del cuadro deben ser informales y no irse con lo establecido.

Cuadro sinóptico acerca de las Películas "The Wall" y "El Cubo"

Análisis de la película “El Cubo”

Análisis de la película “El Cubo”

Película: El Cubo

Año: 1997

Director: Vicenzio Natali

El cubo, una película misteriosa con una historia que al parecer no tiene ningún contenido, pero en el transcurso se vuelve una combinación de historias, en esta película las mentes de las personas toman el control en un experimento que se lleva a cabo con 6 personas que por alguna u otra razón están ahí, y ponen a prueba sus habilidades a las que no le daban importancia pero que los hacen continuar y mantener un estado de calma hasta que llegan varios límites que resultan conflictivos y a causa de ello viene la claustrofobia, pérdida de control, estabilidad, que se van perdiendo y dejando hasta encontrar la salida.

Muchos la consideran una “obra barata” pues con tan poco presupuesto lograron afectar al público con 6 actores, luces de colores, y mucho guión. También utilizaron el gore como recurso, pero al estilo estadounidense.

La producción simplemente es una cuestión acerca del hombre y de su entorno, y El Cubo logró explicarlo con seis personas totalmente desconocidas encerradas en lo que parece ser un cubo, que con el paso del tiempo se convertiría en un laberinto de 6 caras. 

El guión es reflexivo, que es lo que hace que la gente se meta en los personajes, algo muy simple como ¿Qué hacemos aquí? ¿Por qué nosotros? ¿Por qué lo hicieron? Desata una gran combinación de historias al ir descifrando el pasado, la profesión y el temor de cada personaje hacia un mundo que tal vez ya no volverían a ver, y como salir sin perder la paciencia ni la locura.

Es muy notable el uso de la factorización:.

*“En la entrada de cada habitación, hay una secuencia de tres números de tres dígitos (es decir, entre 000 y 999), y uno de los personajes, una matemática, descubre que las habitaciones en las que uno de los números es primo, son las peligrosas. La dificultad añadida está en ver si un número no primo, es potencia de un primo. Para eso es necesario factorizarlo, por lo que debemos probar si es divisible por 2, por 3, por 5, por 7, por 11, y así hasta completar todos los números primos hasta 999 ¿verdad? Pues no. No es necesario ir tan lejos”.

La película fue un sinfín de temas, desde trabajo en equipo, el uso del cerebro, la tolerancia, y todo eso se ve perdido en el transcurso en el cual se va transformando negativamente hacia ellos.

^*http://andreanaranjo.wordpress.com/2007/12/26/cube-atrapados-en-una-formula-secuencial-donde-quien-haga-la-factorizacion-encuentra-la-salida/

Análisis de la película “The Wall”

Análisis de la película “The Wall”

Película: Pink Floyd: The Wall

Año: 1982

Director: Alan Parker

The Wall es una película que se basó en el gran álbum conceptual de Pink Floyd. Su álbum ha sido escuchado más de 300 000 de veces, Alan Parker y Roger waters con íconos que pusieron en la cultura del cine el sentimiento que ellos tenían acerca de la educación que tuvieron en donde se estandarizaba la ideología sobre el mundo y sobre las personas.

Y en base a eso, comenzaron a proyectar tantos recuerdos de la vida de Waters donde él menciona: “nosotros somos lo que avanzamos hasta los 6 años de edad y después de eso ya no se puede ser más que un compendio de lo que nos paso hasta entonces, si no construimos bien nuestra forma de ser, resulta que después de esa edad repetiremos una y mil veces esos errores que formaron nuestra personalidad”.

The Wall refleja psicología y sociología de la época de la 2GM, donde se veía mucho las estructuras de las grandes naciones europeas estaban marcadas por Dios, el nacionalismo, y la represión del sujeto.

Una de las escenas que marcan a The Wall es al profesor humillando al niño y acusándolo de “Poeta sensible”, la relación crece en potencia con los elementos que aparecen en la película y se vuelven más complicados a medida que se retroalimentan. 

Uno de las características importantes de los personajes de The Wall es que los elementos tienen en común la violencia psíquica y física, como el hecho de perder a su novia, la escena donde de tanto dolor y de querer cambiar se corta el pelo y las cejas, se mostro el punto en el que estaban las cosas perdidas,  y al final termina siendo una gran personificación de una organización nazi donde se unen en contra del gobierno, y en las animaciones también se pueden observar algunos elementos que muestran la importancia de ver la película y conocer y sentir la opresión:

La Pared: Es el límite que el personaje principal y la sociedad de esa época sentía hacia la opresión de los maestros, el gobierno, sus padres, y todo lo que la canción “another brick in the wall” representaba, incluso en la letra donde dice “Hey, maestro, deja a nosotros loa niños en paz” y un sinfín de frases oponiéndose al sistema.

Martillo: En la animación se ven miles de martillos marchando hacia un horizonte lleno de las fuerzas oponentes, esto representa esta batalla en la que él “Pink” es el líder y juntos realizarían al fin esta guerra que terminaría con tanto dolor y sufrimiento.

Televisión: En la película se puede apreciar que en varias escenas durante la película, el actor principal tiene un estado mental causado por las drogas, el alcohol, la mente de forma cerrada y su vida atormentada, la televisión es un recurso de refugio, piensa que algún día verá algo interesante y por mientras en la tele pasan todas las cosas que impiden una sociedad libre, y de la escena de la tele se desata el actor, pues el surrealismo invita al personaje a soñar con que es un objeto minsúsculo en una casa enorme, y cuando regresa, llegan a la escena los que parecen ser de un manicomio, que son los que lo transforman en un “soldado” nazi.

Opinión acerca del Guernica (Picasso)

                                             

Cuadro: El Guernica

Autor: Pablo Picasso

Año: 1937

El Guernica es un cuadro que se pintó para mostrar el suceso de la destrucción de la ciudad Vasca de Guernica el 26 de abril de 1937, donde durante la guerra civil aviones nazis del general Franco bombardearon al pueblo, murieron 1654 personas y miles de heridos. Picasso en esta pintura critica la guerra española y los sentimientos encontrados sobre la crueldad.

^* “Un oficial alemán le preguntó a Picasso por esas fechas ante una foto del cuadro de Guernica:

- ¿Ha hecho usted esto?

Picasso respondió:

- No, han sido ustedes; haciendo clara referencia a la responsabilidad alemana en el bombardeo de la localidad vasca.”

 La pintura esta en blanco y negro, en mi opinión representa terror y pánico, a la vez luto y respeto al ver los personajes del Guernica muriendo, pero en el arte se dice que la combinación de blanco y negro es grisalla. Picasso era cubista (formas naturales convertirse en formas geométricas) pero también usa el expresionismo en los gestos extremos.

Los símbolos del cuadro se explican a continuación:

El Toro: Picasso es fan y muchas veces dibujó este animal. En este caso hace alusión al hombre civilizado derrota a la bestia

*Madre con hijo muerto: Esta figura inspirada en la Pieta, o sea la Virgen Maria con Cristo muerto en sus brazos representa a España sitiada por las tropas de Franco.

La paloma: Representa la fragilidad de la paz.

Hombre descuartizado: Intensifica el horror de la escena.

Lámpara: Autores lo relacionan con una bomba, porque la luz pareciera gritar de horror.

Caballo: Representa al pueblo.

Mujer con vela: Es la esperanza de tiempos mejores.

Hombre con los brazos levantados: Brutalidad salvaje contra gente inocente.

Mujer arrodillada: Recuerda a la María Magdalena en la crucifixión.

*: http://curistoria.blogspot.mx/2008/11/quin-hizo-el-guernica.html

Comentario sobre la pelicula "Buscando A Larisa"

Buscando A Larisa

En esta producción desarrollarán las siguientes preguntas de manera individual:

¿Consideras que todos los recuerdos deben ser preservados? Si no, ¿cuáles desecharías?

R: Yo no desecharía ningún recuerdo, ese tipo de película, super8mm, es legendario y son formatos que guardaría para verlo de vez en cuando, me gustan los recuerdos y si, haría lo mismo que el padre, convertirlos en un formato más actual, pero me quedaría con los videos originales, tal vez sirvan para una película.

¿Cómo justificarías el interés del director en encontrar a una persona desconocida como Larisa?

R: Tal vez quiso dar a entender que no debes detenerte si quieres encontrar algo o si tienes la posibilidad de documentar una búsqueda que pueda ser interesante, pero primero tiene que interesarte a ti, si no, pues no le interesa a nadie. Con sus palabras nos decía que en la misma película, los videos que se encuentra aparecen con seguimiento cronológico y también aparece Larisa que es la niña que más veces sale en los videos.

¿El material fílmico aún tiene importancia para el registro de sucesos? ¿Qué crees que ocurrirá con nuestras de los eventos actuales al cambiar del cine al video digital?

R: Yo pienso que en estos momentos, las redes sociales viven al día, entonces lo que pasa un día, ya lo dejan atrás y siguen pasando cosas, entonces ya todo se queda en el cerebro, puesto que todos los días ocurre algo que hace olvidar lo de ayer.

En las familias, los que son mayores de 30, se vuelven dependientes de los sobrinos mayores y eso, son a los que les piden guardar los recuerdos, porque se les hace más fácil mostrar las fotos o los videos con alguien con experiencia en la computadora.

En mi opinión, debería hacer más investigaciones sobre más gente, es interesante saber si lo que va a pasar, de repente no es, y tiene un final drástico, entonces es un buen tema para sacarle información e investigación. La búsqueda de una persona es muy divertida y a la vez preocupante y misteriosa, en donde tienes cientos de hipótesis y hasta no saber lo real, se puede hasta pensar en manera muy negativa hacia el encuentro de esa persona. Es una buena trama, me gusta mucho el formato de super8mm y estoy tratando de conseguir ese efecto para editar videos en alta definición actuales y transformarlos en super8. Me gustó que siguiera adelante, no me gustó que algunos diálogos se salieran del entorno de Larisa, pero que igual le daban un complemento a esa búsqueda como las anécdotas del señor.

Comentario acerca del cortometraje "Salon Royale"

Salón Royale

El cortometraje era un vaivén de preguntas, dudas y enojo de una chava a la que se sitúan en el carro dirigiéndose a una fiesta en la cual una amiga le cuenta algo que no le gustaría, que su ex iba a estar presente, eso causa un gran cuestionario, enojo, venganza y una serie de hipótesis que son las que complementan estos viajes en carro. Lo que toman en cuanta más es la plática, que al lugar a donde se dirigen o la calle, o el ambiente de afuera.

Hay un cambio muy visible de cuando salen a la fiesta y cuando entran al auto una vez terminada, el carácter de la amiga afectada cambia radicalmente en una mente vengativa y deseosa de que la vida de su ex se eche a perder, y sus amigas la “apoyan”, pero cambian de tema y la chava regresa a ese tema.

Avatar Personalizado

Avatar Personalizado

  Nombre: Ricardo Emir Rodriguez Rubalcava

       Edad: 22

Profesión: Director de videos musicales, fotógrafo  colaborador en NRMAL ®,

  Gustos: Tomar fotos, estar con su novia, tener ideas para proyectos de eventos, festivales y conferencias, Adidas Originals®, salir en bicicleta, hablar y asistir a conciertos.

Disgustos: Los gadgets touch (aunque a fin de cuentas termine con uno), la música regional, las series mal hechas, el trafico, los “grandes” de plaza cumbres y el cigarro.

     Sueños: seguir su línea de trabajo y hacer las cosas de acuerdo a su pensamiento, no a lo que dicen los demás. Perseguir el sueño de asistir al festival glastonbury y mantener la relación con su novia.

El es una persona que cambió toda su forma de vida por otra, ya que a los 17 años tenía una vida muy aburrida, a pesar de haber entrado a la facultad más loca de la UANL, Artes Visuales, durante su adolescencia vivía como sus padres querían que la viviera, hasta que en algún punto decidió que no lo haría más, se reveló contra sus padres y decidió que era buena idea tatuarse como símbolo de libertad, él les explicó con una forma en la cual sus padres se dieron cuenta que él había crecido, y que todo lo habían hecho por ser el hijo menor y con el sentido de que esta vez en su vida estarían solos. Durante su carrera mantuvo un propósito, el descifrar su habilidad, no sabía si fotografía, video, guión, cine, tv, o libre, pero lo descubrió acompañado de amigos que encontró durante el camino y algunos que nunca lo dejarían. Su vestimenta es informal, pero cómoda como lo es su vida ahora. Suéter verde representa su amor por la naturaleza y su oposición contra la fotografía y el video editado digitalmente, la camisa es blanca porque para él es un color donde puedes mancharlo y llenarlo de tus emociones, también significa que él es abierto a opciones diferentes. El collar que le dio su madre al darse cuenta de que había crecido y que es la representación de su madre en todas partes.   Lentes que lo definen como Hipster, por último los pantalones y tenis que son las prendas más comunes.