jueves, 13 de diciembre de 2012
lunes, 10 de diciembre de 2012
Análisis Narratológico de “Apoohcalypse Now”
Análisis
Narratológico de “Apoohcalypse Now”
En esta ocasión
será analizada la pieza “Apoohcalypse Now”, hecha por el artista llamado
Artemio, quien previamente ha hecho piezas relativamente con el mismo tinte de
este movimiento llamado Art Brut, que lo utiliza cuando los personajes
populares son transformados a personajes irónicos que llamarán la atención.
Esto es mezclado con un humor negro y una clara intención de provocar, se logra
un resultado interesante.
La
narratología de esta pieza parte de la película “Apocalypse Now”, y su relación
con el libro llamado “El corazón de las Tinieblas” de Joseph Conrad, y donde se
utiliza el pasado como el comienzo y al paso de la película los sucesos ocurren y de una forma arrepentida y recuerda todo lo vivido y lo aprendido de
esa experiencia. llegando a la reflexión. Artemio utilizó su Art Brut con ironía y humor transformando la
voz de Winnie The Pooh (el personaje más vulnerable, sencillo y pacifista), en una
interpretación del discurso hecho por Marlon Brando (Coronel Kurtz) acerca de
la guerra de Vietnam plasmada en la película “Apocalypse Now”.
La
pieza tiene una narrativa irónica, ya que los movimientos y expresiones de Pooh
son relativamente opuestos a la voz de Marlon Brando y por su forma de
interpretar está los ambientes habituales de Pooh y que tiene repentinos
“flashbacks” hacia la película en escenas de guerra donde sus pensamientos van
desde explicar cómo paso hasta retractarse de dichos sucesos.
El
objetivo del análisis es conocer la relación de la producción y la imagen que
le da esta nueva versión.
Las
primeras imágenes son de la escena de Vietnam en donde el helicóptero va
descendiendo, y ese mismo paisaje empieza a transformarse en fuego sobre
palmeras y dando una relación de tiempo sobre cómo estaba el campamento al
inicio y de cómo terminó. Entonces hace un efecto de cambio y se muestra el reloj
despertador que refleja un estado de sueño, que las primeras escenas eran
flashbacks dentro de un sueño pues al despertar, de fondo, siguen escuchándose helicópteros
y detonaciones. Pooh despierta y hace referencia al inicio de Apocalypse Now
donde El protagonista esta recostado en la cama recordando los sucesos.
Comienza
con el monólogo sobre el horror: “Es
imposible para las palabras describir lo que es necesario para aquellos que no
saben lo que el horror significa. El horror. El horror tiene una cara... y uno
debe hacerse amigo del horror. El horror y el terror moral son tus amigos. Si
no lo son, son enemigos a los que hay que temer. Son enemigos de verdad.” Mientras
lo dice, Pooh continúa haciendo lo que un día normal regularmente haría. En la
siguiente escena existe una relación entre libro y narración en donde
explica el proceso de ejecutamiento que
estaban por hacer y surge un flashback pero esta vez pasa de Pooh hasta un
libro pasando hojas y hace otro flashback y llega a la película en donde se
puede observar gente corriendo y el protagonista dirigiendo un helicóptero con “las
valquirias” de fondo y lanzando bombas hacia una escuela, después pasa por el
libro de nuevo y regresa con Pooh, ahora comiendo miel en reversa, en ese
momento comienza una transición de sentimientos al contar sobre cómo veía a cada
brazo y cada cuerpo cortado en pedazos, Marlon se introduce en un estado de
arrepentimiento y comienza a pensar sobre cómo la violencia sin causa logra
lastimar a las personas, que se había convertido en alguien que mata sin
pensar, matar por orgullo. Al mismo tiempo Pooh esta triste por no tener más
miel y emprende su camino a casa.
Reconoce en un momento que los que hacen
esas acciones en las formas más crueles no la piensan, no la entienden, que no
los considera ni monstruos salvajes, ni genios en sus habilidades o en la
capacidad de realizarlo: los considera “hombres morales”, que se preocupan por
su familia y que eso les da fuerza para vencer a los enemigos. Es la escena
donde Pooh termina su día y decide ponerse pijama y realizar sus rituales nocturnos, se puede
notar que ya después de que el Coronel Kurtz haya comprendido los horrores de
la crueldad, concluye en un acto de reflexión, donde Pooh está “imaginando” una
historia para poder dormir y una tormenta lo hace asustar, se aprecia en el
corto que se lo está diciendo a una mosca, pero en realidad el Capitán Kurtz también
aparece una mosca pero no le da importancia, está sólo pidiendo que si llega a
morir o llegan a matarlo, él desearía que su hijo supiera todo, aunque lo
malentendiera, no dejar nada en secreto. La escena final Pooh al fin duerme y
el “Pooh dormido” comienza a soñar y termina con una explosión y viendo como el
pueblo arde en llamas tras haber escuchado este monólogo y dejando en claro lo
que había provocado este estado mental tan devastador.
El espectador, en esta producción, es
obligado a investigar y para intentar descubrir las relaciones que se quedaron
en duda, puesto que lo primero sería descifrar el porqué de que se haya hecho
con una caricatura animada o específicamente Winnie The Pooh, durante el análisis,
el espectador se interroga sobre varios aspectos, pero si se ve detenidamente
las dos producciones y el libro, se logrará una mejor comprensión sobre el
tema.
Apoohcalypse Now. Dir. Artemio. 2002.
sábado, 8 de diciembre de 2012
domingo, 25 de noviembre de 2012
Opinión Cap. 1 del libro “Tratado de semiótica de Umberto Eco”
Opinión Cap. 1 del libro “Tratado de
semiótica de Umberto Eco”
Toda expresión artística tiene un
porqué, un lugar de origen, y un tema del qué hablar, en este primer capítulo
Humberto Eco nos invita a participar en su teoría y a comprenderla con
cualquier pintura, película, etc.
Este libro nos indica que existen
varias formas de conocer el significado de las expresiones artísticas, si
tomamos por ejemplo el Guérnica de Picasso, nos damos cuenta de que es una
pintura que dice muchas cosas y sólo con echarle un vistazo. Lo primero que se
hace es concentrarse y pensar en aquellos elementos que lo conforman, sus
expresiones y la posición en donde están, después piensas en la situación por
la que están pasando, en este caso nosotros le estamos dando una interpretación
sin haber investigado nada, y después de leer e investigar, te das cuenta de lo
que trata de decir Picasso pero lo descifras de otra forma, primero sabes la
época en donde están y el suceso, luego conoces los elementos y porque están
ahí y porque los elementos son esos y no otros, luego el toque del tipo de
pintura que es y el movimiento de esa época, y al final te das cuenta de lo que
quería decir, es decir, el mensaje.
Osea que del punto de vista de los que no
conocemos, primero lo Interpretamos como nosotros lo conocemos cuando significa
otra cosa desde el punto de vista del artista, y si queremos entender, debemos
conocer las cosas como lo ve el creador y saber sus sentimientos y su
abstracción a partir de información e internet, saber su pasado o su familia o
lo que piensa de la vida, si está deprimido o si lo hizo por cualquier razón,
eso amplia nuestros conocimientos, pero en este capítulo habla sobre
Escher,
que menciona que todo depende de todo, que no somos expertos ni somos personas
sin sabiduría. Él menciona que para conocer la historia, hay que conocer a los
personajes primero, pero para conocer los personajes, debes conocer el pasado y
el mensaje que quiere transmitir, y si quieres conocer el mensaje tienes que
sentir como el artista sentía, pera sentirlo debes de buscar si historia en
internet, y para la historia debes conocer sus obras, y conociendo obras,
conoces los personajes, y así, es un proceso que se repite y se repite, no
tiene inicio ni fin, uno mismo debe hacerlo como sienta que pueda descifrar el
mensaje y conocer su intención. El libro muestra ejemplos, pero mi ejemplo
puede ser el cuadro “Relativity” donde muestra personas subiendo y bajando
escaleras y es ahí donde te preguntas que es lo que debes buscar primero, si la
historia o los personajes o el mensajes o la abstracción, pero sin buscar
información, esa fue mi opinión sobre el primer capítulo.
Análisis Audiovisual: F. Saussure
Análisis
Audiovisual: F. Saussure
El análisis está
basado en teorías o fundamentos.
Se divide la
producción en:
Acciones: todo
lo que realizan los personajes y es controlado por ellos.
Acontecimientos:
hechos causados por las acciones.
Y principalmente
se debe conocer el pasado, el entorno, el deseo y el propósito del protagonista
y el antagonista.
Tratado de Semiótica por: Humberto Eco (Ensayo)
Tratado de Semiótica por: Humberto
Eco (Ensayo)
El libro Tratado
de Semiótica estudia una teoría que trata sobre la relación de un signo o más.
Y el libro trata sobre utilizar la teoría de producción de signos y el uso de
ella en la teoría de los códigos.
En este tratado
se manejan distintos modelos en base a lo que Eco maneja:
El concepto de
signo es tratado y ayuda a diferenciar los signos de los que no son signos, una
semiótica de la significación es la desarrollada por la teoría de los códigos,
mientras que una semiótica de la comunicación incumbe a la teoría de la
producción de signos.
La estructura
elemental de la comunicación es:
fuente→transmisor→señal→canal→señal→receptor→mensaje→destinatario.
Código es una
serie de signos, una serie de señales es considerada como una serie de nociones
que pueden ser una serie de contenidos de una comunicación, lo cual es llamado
sistema semántico. Lo que termina siendo una serie de repuestas.
A la regla que
asocia el sistema sintáctico, semántico y las respuestas es código.
Son los sistemas
donde los valores particulares se establecen mediante posiciones y diferencias
y que se revelan solo cuando se comparan entre sí fenómenos diferentes mediante
la referencia al mismo sistema de relaciones.
Así, concluyo
con que el análisis semiótico recibe una gran participación en críticas, pero también
al espectador quien de alguna u otra forma lo está realizando.
Eco, Humberto. Tratado de Semiotica. Italia:
Lumen, 2000.
Análisis semiótico de la película “Libro de Cabecera”
Análisis semiótico de la película “Libro de
Cabecera”
Interpretación: La
protagonista es Nagiko, una niña que su familia le gusta la literatura y
la pintura. La familia es pobre y su papá va paga sus deudas a un editor
con favores homosexuales. Intenta publicar un texto, pero lo rechaza el mismo editor que humilló a su
padre.
Cuando se entera Nagiko del
compañero del editor, Jerome, ella decide seducirlo, pero en su intento resulta
que se enamora de él. Jerome le dice a ella que escriba el libro que quiere escribir en su cuerpo,
ella lo hace. Al editor le dieron celos y tuvieron un encuentro sexual que
Nagiko tuvo que ver y pues furiosa se pone a escribir sobre otra persona, al
saber Jerome, se enoja y se suicida.
El editor va por el cuerpo de
Jerome para tener ese texto, pero él, remueve la piel de Jerome
y pasa el texto a encuadernar. Nagiko embarazada, de Jerome, se
entera de lo que le hizo el editor y lleva a cabo otro plan, que era mandarle
al editor más hombres con texto en sus cuerpos que mencionan su enojo y la petición de enterrar la piel de Jerome.
Y los libros llegan de maneras extrañas, un hombre tirado en la
calle, un hombre con el texto en su lengua, un hombre con el texto en la
cabeza, y al último llega el libro de la muerte, que hace al editor
concientizarse de su fin, pues era justo . Lo matan, luego aparece Nagiko poniendo el encuadernado
de Jerome en un bonsái. La película termina con ella y su hijo, y dice que está
preparada para escribir un diario.
Reglas: La relación de los libros con la historia, persuadir para cumplir con los sueños.
Códigos:
|
Libro uno: La Agenda
|
Libro que escribe sobre cuerpo de Jerome para
convencer al editor de publicar libro
|
|
libro dos: El Libro del
Inocente
libro tres: El Libro del Idiota |
Libros que contienen
|
|
libro cuatro: El Libro
de la Impotencia
libro cinco: El Libro del Exhibicionista |
Los libros que hizo a partir de que siente la
necesidad de hacer algo a causa del encuentro sexual con el editor.
|
|
libro seis: El Libro del
Amante
libro siete: El Libro de la Juventud libro ocho: El Libro del Seductor |
Son los libros que muestran la venganza de Nagiko
escribiendo sobre otro cuerpo.
|
|
libro diez: El Libro del
Silencio
libro once: El Libro de la Traición libro doce: El Libro de los Nacimientos y de los Comienzos |
Son libros que mostraban el trato que hizo Nagiko
de enterrar la piel de Jerome que le quitaron y que con él encuadernaron el
texto.
|
|
libro trece: El Libro de
los Muertos
|
Libro que muestra el fin para el editor a partir
de lo que hizo con Jerome
|
Signos: El
cuerpo, la seducción, la venganza, el
libro de cabecera, la música, la civilización de esa época, la promesa de la
mamá, la frase que se repetía “cuando Dios confirmo la existencia del hombre,
lo puso en los ojos, la boca, el sexo, y cuando lo terminó, firmó su propio
nombre”
Análisis de la producción “Un Perro andaluz”
Análisis de la
producción “Un Perro andaluz”
Película: Un Perro Andaluz “Un Chien Andalou”
Año: 1929
Director: Luis Buñuel
Un perro andaluz abre las puertas a un cine surrealista que
en cierta forma se burla y juega con nuestro subconsciente, lo que impacta son
las imágenes agresivas y lo que parecen ser sueños que transporta con su
secuencia de tiempo no lineal.
El filme presenta a dos personajes que todo el tiempo están en
constante cambio, por un momento el hombre está afilando su navaja y pasa a
escena un ojo partido a la mitad por dicha navaja, en sí no tiene un significado,
es la representación de sueños del director Luis Buñuel, quien trabajo con
Salvador Dalí en el guión, a pesar de que ellos no tenían una buena relación.
El surrealismo logra que el filme interprete los sueños de
Buñuel de una manera exagerada, explícita y perturbadora para el espectador,
entre las escenas más surrealistas están:
. A un hombre le salen hormigas del interior de su mano.
.Los protagonistas se amenazan, la mujer con una raqueta
triangular, y el hombre con una cuerda en el suelo que, atados a ella, están dos
frailes, dos pianos y más.
. El hombre es castigado y la mujer de da unos libros que se
convierten en pistolas que disparan a su mismo yo, él cae en una mujer en un
parque y lo recogen dos personas.
El fin es que nada tiene sentido, así como los elementos que
se convierten en signos para el espectador, con la duda de saber el
significado, como lo vemos con la navaja, o la situación entra el hombre y la
mujer, o la aparición de las hormigas, y las secuencias de tiempo aleatorias.
sábado, 24 de noviembre de 2012
Relativity- M.C. Escher
Relativity- M.C. Escher
Hecho en 1953, este cuadro quiere dar a entender la
soledad y la mente de Escher en cuanto a que él explica que su casa es libre
para cualquier persona, que no tiene límites, ni siquiera tiene chapas y ni un
solo mueble. En ete cuadro se imagina al mundo en su casa, pero el concepto más
definido es el de la Relatividad en sí, que es relacionarse siempre a algo, no
importa si es un algo o un alguien, pero los humanos existimos para
relacionarnos.
Este cuadro significativo tiene varios elementos que
toma en cuanta para explicar al expectador sutil mente:
Escaleras: Propósito o el destino.
Puertas: Son las partes de nuestro cerebro a las que
podemos llegar y de las que podemos sacar nuestras ideas. En una forma el
cuadro representa nuestra burbuja y que en algunos casos podemos salir y
abrirnos a otro ambiente, y en toras cosas solo vemos y venimos al mismo lugar.
Personas: Son la representación de una vida representada
en un humano vendado, significa que nosotros somos ciegos del destino, y que no
podemos cambiarlo.
El cuadro en si representa una relación puede ser
general o espacial, y se puede interpretar como que cada persona en el cuadro
tiene su punto de partida y su normalidad en cuanto a gravedad y dirección.
Jackson Pollock
Jackson Pollock
Mural: Manera en que plasma la escuela, como si un niño lo hubiera pintado
Este gran pintor
ha creado una de las más grandes obras conceptuales y que marcó un movimiento: El expresionismo
abstracto.
Éste es
acerca de mostrar expresiones fuertes y emociones. A partir de
la guerra nació este movimiento junto con el pesimismo, donde los religiosos
mencionaron que era un movimiento establecido por la espontaneidad y que cada
color o pincelada significaba un sentimiento del pintor.
La Flama
Se llama “Action Painting” a lo que Pollock hizo, mediante dejando caer
las gotas de la pintura libremente sobre el lienzo, que justifica con el
movimiento del cuerpo, no de la mano o de la muñeca. La técnica que usaría
sería poner el lienzo en el suelo, que le permitía encontrarse con la pintura.
Full fathom Five
Pollock mostró y tenía en mente poner en alto la pintura abstracta con
acciones, energía y pasión.
Hombre, boletín, pájaro
‘’Mi pintura no se hace en el caballete. Cuando está en el suelo me
siento más cerca, puedo pasearme a su alrededor, trabajar desde todos los
costados, estar literalmente dentro de la pintura, esto es al modo de los
indios del oeste. He eliminado además todos los utensilios del pintor, como
paleta, caballete y pinceles. Prefiero varillas, la llana del albañil, cucharas
comunes o simplemente hacer salpicar el color líquido’’, afirmó Pollock.
Simulator
Piet Mondrian
Piet Mondrian
Holandés, un
ícono del neo plasticismo, y su manera de pintar, su propósito es combinar la
escultura, arquitectura y pintura en una forma clara y pura.
Él era cubista, así
que le gustaban mucho las figuras geométricas y poco a poco cambió a composiciones
de líneas horizontales y verticales, el optó por usar solamente los colores
primarios, sin ninguna gota de gris o algo que le haga sombra.
Al principio el
pintor quiere dar a entender que cada vez que las líneas se cruzan, esta
mostrando una estructura del universo, es difícil para la gente comprender,
pero la variación simple de colores atrae la atención del espectador.
Explican que
Mondrian quería explicarle al mundo que el arte no es el único medio en el que
se pueden transmitir emociones y sentimientos.
Con los cuadros
quiso decir que, en una forma indirecta que las partes del cuadro deben ser
informales y no irse con lo establecido.
Análisis de la película “El Cubo”
Análisis de la
película “El Cubo”
Película: El Cubo
Año: 1997
Director: Vicenzio
Natali
El cubo, una película misteriosa con una historia que al
parecer no tiene ningún contenido, pero en el transcurso se vuelve una
combinación de historias, en esta película las mentes de las personas toman el
control en un experimento que se lleva a cabo con 6 personas que por alguna u
otra razón están ahí, y ponen a prueba sus habilidades a las que no le daban
importancia pero que los hacen continuar
y mantener un estado de calma hasta que llegan varios límites que resultan
conflictivos y a causa de ello viene la claustrofobia, pérdida de control,
estabilidad, que se van perdiendo y dejando hasta encontrar la salida.
Muchos la consideran una “obra barata” pues con tan poco
presupuesto lograron afectar al público con 6 actores, luces de colores, y
mucho guión. También utilizaron el gore como recurso, pero al estilo
estadounidense.
La producción simplemente es una cuestión acerca del hombre
y de su entorno, y El Cubo logró explicarlo con seis personas totalmente
desconocidas encerradas en lo que parece ser un cubo, que con el paso del
tiempo se convertiría en un laberinto de 6 caras.
El guión es reflexivo, que es
lo que hace que la gente se meta en los personajes, algo muy simple como ¿Qué
hacemos aquí? ¿Por qué nosotros? ¿Por qué lo hicieron? Desata una gran
combinación de historias al ir descifrando el pasado, la profesión y el temor de
cada personaje hacia un mundo que tal vez ya no volverían a ver, y como salir
sin perder la paciencia ni la locura.
Es muy notable el uso de la factorización:.
*“En
la entrada de cada habitación, hay una secuencia de tres números de tres dígitos (es decir, entre 000
y 999), y uno de los personajes, una matemática, descubre que las habitaciones
en las que uno de los números es primo, son las peligrosas. La dificultad añadida está en ver
si un número no primo, es potencia de un primo. Para eso es necesario
factorizarlo, por lo que debemos probar si es divisible por 2, por 3, por 5,
por 7, por 11, y así hasta completar todos los números primos hasta 999 ¿verdad?
Pues no. No es necesario ir tan lejos”.
La película fue un
sinfín de temas, desde trabajo en equipo, el uso del cerebro, la tolerancia, y
todo eso se ve perdido en el transcurso en el cual se va transformando
negativamente hacia ellos.
*http://andreanaranjo.wordpress.com/2007/12/26/cube-atrapados-en-una-formula-secuencial-donde-quien-haga-la-factorizacion-encuentra-la-salida/
Análisis de la película “The Wall”
Análisis de la película “The Wall”
Película: Pink Floyd: The Wall
Año: 1982
Director: Alan Parker
The
Wall es una película que se basó en el gran álbum conceptual de Pink Floyd. Su álbum
ha sido escuchado más de 300 000 de veces, Alan Parker y Roger waters con
íconos que pusieron en la cultura del cine el sentimiento que ellos tenían
acerca de la educación que tuvieron en donde se estandarizaba la ideología
sobre el mundo y sobre las personas.
Y
en base a eso, comenzaron a proyectar tantos recuerdos de la vida de Waters
donde él menciona: “nosotros somos lo que avanzamos hasta los 6 años de edad y después de
eso ya no se puede ser más que un compendio de lo que nos paso hasta entonces,
si no construimos bien nuestra forma de ser, resulta que después de esa edad
repetiremos una y mil veces esos errores que formaron nuestra personalidad”.
The Wall refleja psicología y sociología de la
época de la 2GM, donde se veía mucho las estructuras de las grandes naciones europeas
estaban marcadas por Dios, el nacionalismo, y la represión del sujeto.
Una de las escenas que marcan a The Wall es al
profesor humillando al niño y acusándolo de “Poeta sensible”, la relación crece
en potencia con los elementos que aparecen en la película y se vuelven más
complicados a medida que se retroalimentan.
Uno de las características importantes
de los personajes de The Wall es que los elementos tienen en común la violencia
psíquica y física, como el hecho de perder a su novia, la escena donde de tanto
dolor y de querer cambiar se corta el pelo y las cejas, se mostro el punto en
el que estaban las cosas perdidas, y al
final termina siendo una gran personificación de una organización nazi donde se
unen en contra del gobierno, y en las animaciones también se pueden observar
algunos elementos que muestran la importancia de ver la película y conocer y
sentir la opresión:
La Pared: Es el límite que el personaje principal y
la sociedad de esa época sentía hacia la opresión de los maestros, el gobierno,
sus padres, y todo lo que la canción “another brick in the wall” representaba,
incluso en la letra donde dice “Hey, maestro, deja a nosotros loa niños en paz”
y un sinfín de frases oponiéndose al sistema.
Martillo: En la animación se ven miles de martillos
marchando hacia un horizonte lleno de las fuerzas oponentes, esto representa
esta batalla en la que él “Pink” es el líder y juntos realizarían al fin esta
guerra que terminaría con tanto dolor y sufrimiento.
Televisión: En la película se puede apreciar que en
varias escenas durante la película, el actor principal tiene un estado mental
causado por las drogas, el alcohol, la mente de forma cerrada y su vida
atormentada, la televisión es un recurso de refugio, piensa que algún día verá
algo interesante y por mientras en la tele pasan todas las cosas que impiden
una sociedad libre, y de la escena de la tele se desata el actor, pues el
surrealismo invita al personaje a soñar con que es un objeto minsúsculo en una
casa enorme, y cuando regresa, llegan a la escena los que parecen ser de un
manicomio, que son los que lo transforman en un “soldado” nazi.
Opinión acerca del Guernica (Picasso)
.jpg)
Cuadro: El Guernica
Autor: Pablo Picasso
Año: 1937
El Guernica es un cuadro que se
pintó para mostrar el suceso de la destrucción de la ciudad Vasca de Guernica
el 26 de abril de 1937, donde durante la guerra civil aviones nazis del general
Franco bombardearon al pueblo, murieron 1654 personas y miles de heridos.
Picasso en esta pintura critica la guerra española y los sentimientos
encontrados sobre la crueldad.
*
“Un oficial alemán le preguntó a Picasso por esas
fechas ante una foto del cuadro de Guernica:
- ¿Ha hecho usted esto?
Picasso respondió:
- No, han sido ustedes; haciendo clara referencia a la responsabilidad alemana en el bombardeo de la localidad vasca.”
- ¿Ha hecho usted esto?
Picasso respondió:
- No, han sido ustedes; haciendo clara referencia a la responsabilidad alemana en el bombardeo de la localidad vasca.”
La
pintura esta en blanco y negro, en mi opinión representa terror y pánico, a la
vez luto y respeto al ver los personajes del Guernica muriendo, pero en el arte
se dice que la combinación de blanco y negro es grisalla. Picasso era cubista
(formas naturales convertirse en formas geométricas) pero también usa el
expresionismo en los gestos extremos.
Los símbolos del cuadro se
explican a continuación:
El Toro: Picasso es fan y muchas veces dibujó este animal. En este caso hace alusión al hombre civilizado derrota a la bestia
El Toro: Picasso es fan y muchas veces dibujó este animal. En este caso hace alusión al hombre civilizado derrota a la bestia
*Madre con hijo muerto:
Esta figura inspirada en la Pieta, o sea la Virgen Maria con Cristo muerto en
sus brazos representa a España sitiada por las tropas de Franco.
La paloma: Representa la fragilidad de la paz.
Hombre descuartizado: Intensifica el horror de la escena.
Lámpara: Autores lo relacionan con una bomba, porque la luz pareciera gritar de horror.
La paloma: Representa la fragilidad de la paz.
Hombre descuartizado: Intensifica el horror de la escena.
Lámpara: Autores lo relacionan con una bomba, porque la luz pareciera gritar de horror.
Caballo: Representa al pueblo.
Mujer con vela: Es la esperanza de tiempos mejores.
Hombre con los brazos levantados: Brutalidad salvaje contra gente inocente.
Mujer arrodillada: Recuerda a la María Magdalena en la crucifixión.
*: http://curistoria.blogspot.mx/2008/11/quin-hizo-el-guernica.html
Comentario sobre la pelicula "Buscando A Larisa"
Buscando A Larisa
En esta producción desarrollarán las
siguientes preguntas de manera individual:
¿Consideras que todos los recuerdos
deben ser preservados? Si no, ¿cuáles desecharías?
R: Yo no desecharía ningún recuerdo,
ese tipo de película, super8mm, es legendario y son formatos que guardaría para
verlo de vez en cuando, me gustan los recuerdos y si, haría lo mismo que el
padre, convertirlos en un formato más actual, pero me quedaría con los videos
originales, tal vez sirvan para una película.
¿Cómo justificarías el interés del
director en encontrar a una persona desconocida como Larisa?
R: Tal vez quiso dar a entender que no
debes detenerte si quieres encontrar algo o si tienes la posibilidad de
documentar una búsqueda que pueda ser interesante, pero primero tiene que
interesarte a ti, si no, pues no le interesa a nadie. Con sus palabras nos
decía que en la misma película, los videos que se encuentra aparecen con
seguimiento cronológico y también aparece Larisa que es la niña que más veces
sale en los videos.
¿El material fílmico aún tiene
importancia para el registro de sucesos? ¿Qué crees que ocurrirá con nuestras
de los eventos actuales al cambiar del cine al video digital?
R: Yo pienso que en estos momentos,
las redes sociales viven al día, entonces lo que pasa un día, ya lo dejan atrás
y siguen pasando cosas, entonces ya todo se queda en el cerebro, puesto que
todos los días ocurre algo que hace olvidar lo de ayer.
En las familias, los que son mayores
de 30, se vuelven dependientes de los sobrinos mayores y eso, son a los que les
piden guardar los recuerdos, porque se les hace más fácil mostrar las fotos o
los videos con alguien con experiencia en la computadora.
En mi opinión, debería hacer más investigaciones sobre
más gente, es interesante saber si lo que va a pasar, de repente no es, y tiene
un final drástico, entonces es un buen tema para sacarle información e
investigación. La búsqueda de una persona es muy divertida y a la vez
preocupante y misteriosa, en donde tienes cientos de hipótesis y hasta no saber
lo real, se puede hasta pensar en manera muy negativa hacia el encuentro de esa
persona. Es una buena trama, me gusta mucho el formato de super8mm y estoy
tratando de conseguir ese efecto para editar videos en alta definición actuales
y transformarlos en super8. Me gustó que siguiera adelante, no me gustó que
algunos diálogos se salieran del entorno de Larisa, pero que igual le daban un
complemento a esa búsqueda como las anécdotas del señor.
Comentario acerca del cortometraje "Salon Royale"
Salón Royale
El cortometraje era un vaivén de
preguntas, dudas y enojo de una chava a la que se sitúan en el carro
dirigiéndose a una fiesta en la cual una amiga le cuenta algo que no le
gustaría, que su ex iba a estar presente, eso causa un gran cuestionario,
enojo, venganza y una serie de hipótesis que son las que complementan estos
viajes en carro. Lo que toman en cuanta más es la plática, que al lugar a donde
se dirigen o la calle, o el ambiente de afuera.
Hay un cambio muy visible de cuando
salen a la fiesta y cuando entran al auto una vez terminada, el carácter de la
amiga afectada cambia radicalmente en una mente vengativa y deseosa de que la
vida de su ex se eche a perder, y sus amigas la “apoyan”, pero cambian de tema
y la chava regresa a ese tema.
Avatar Personalizado
Avatar Personalizado
Nombre: Ricardo Emir Rodriguez
Rubalcava
Edad: 22
Profesión: Director
de videos musicales, fotógrafo colaborador
en NRMAL
®,
Gustos:
Tomar fotos, estar con su novia, tener ideas para proyectos de
eventos, festivales y conferencias, Adidas Originals®,
salir en bicicleta, hablar y asistir a conciertos.
Disgustos: Los
gadgets touch (aunque a fin de cuentas termine con uno), la música regional,
las series mal hechas, el trafico, los “grandes” de plaza cumbres y el cigarro.
Sueños:
seguir su línea de trabajo y hacer las cosas de acuerdo a su
pensamiento, no a lo que dicen los demás. Perseguir el sueño de asistir al
festival glastonbury y mantener la relación con su novia.
El es una persona que cambió
toda su forma de vida por otra, ya que a los 17 años tenía una vida muy
aburrida, a pesar de haber entrado a la facultad más loca de la UANL, Artes
Visuales, durante su adolescencia vivía como sus padres querían que la viviera,
hasta que en algún punto decidió que no lo haría más, se reveló contra sus
padres y decidió que era buena idea tatuarse como símbolo de libertad, él les
explicó con una forma en la cual sus padres se dieron cuenta que él había
crecido, y que todo lo habían hecho por ser el hijo menor y con el sentido de
que esta vez en su vida estarían solos. Durante su carrera mantuvo un
propósito, el descifrar su habilidad, no sabía si fotografía, video, guión,
cine, tv, o libre, pero lo descubrió acompañado de amigos que encontró durante
el camino y algunos que nunca lo dejarían. Su vestimenta es informal, pero
cómoda como lo es su vida ahora. Suéter verde representa su amor por la
naturaleza y su oposición contra la fotografía y el video editado digitalmente,
la camisa es blanca porque para él es un color donde puedes mancharlo y
llenarlo de tus emociones, también significa que él es abierto a opciones
diferentes. El collar que le dio su madre al darse cuenta de que había crecido
y que es la representación de su madre en todas partes. Lentes que lo definen como Hipster, por último los pantalones y
tenis que son las prendas más comunes.
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